Repasando algunos de mis antiguos dibujos, me he encontrado con algunos donde se aprecia una mezcla de medios, que de vez en cuando me gusta combinar, me refiero al carboncillo (charcoal en inglés, fusain en francés) y a la acuarela. La base del dibujo es por supuesto el carboncillo, este medio que desde luego no está entre mis favoritos ─ lo considero un medio demasiado sucio para mi gusto ─, es muy expresivo si se utiliza de una forma vamos a decir más impresionista. Es decir de una forma más suelta donde las formas cuentan menos que la expresividad.
El segundo medio, que en este caso sirve para añadir color al conjunto es la acuarela. Este medio, muy indisciplinado, tampoco cuenta demasiado con mi cariño, precisamente por indisciplinado. Sin embargo es ideal para aplicar colores diluidos y vibrantes a los dibujos. Como se puede aplicar con capas muy transparentes podemos utilizar el dibujo como un mapa de sombras. Esto hace que una sola capa de un color plano consigamos el efecto que buscamos.
Con la mezcla de estas dos técnicas conseguimos que los dibujos tengan un aire más impresionista, poético y envejecido. Es ideal para los temas en los que se quiera resaltar lo poético sobre lo formal.
Como siempre digo no os olvidéis de dibujar y de disfrutar dibujando. Hasta pronto.
El Retrato es sin duda uno de los géneros más complicados, junto con la Figura, dentro del Arte, sea cual sea la técnica que se emplee. Es sin embargo también uno de los más gratificantes que hay. Captar el parecido con el modelo ya es un reto, y conseguirlo ya es satisfactorio, pero si además se logra capturar el alma de ese modelo, entonces la satisfacción que se siente no tiene igual. Por eso solo los más finos pinceles y lápices consiguieron tener auténtico éxito en este campo, y dejar sus nombres escritos para siempre en el Gran Libro del Arte. Podríamos citar a Velazquez o a Rembrandt como dos de los ejemplos más destacados, pero sobran nombres que poner en esta lista, a lo largo de todas las épocas.
Existen retratos desde la noche de los tiempos,
en todas las épocas los artistas se dedicaron a retratar a sus semejantes, con todas las técnicas a su alcance,
grafito, óleo, acuarela, carboncillo, pastel, etc. Usaron cualquier soporte
imaginable, desde pieles curtidas hasta madera, pasando por los más diversos
tipos de papel que los artesanos del ramo fueran capaces de producir, cartones,
lienzos, telas y cualquier superficie sobre la que se pudiera pintar o dibujar.
Retrato mujer al grafito
Los modelos retratados fueron desde nobles, personajes del momento,
grandes jerarcas de la Iglesia, militares gloriosos, hasta mendigos, pilluelos,
artesanos, trabajadores esforzados, mujeres, hombres y niños de todas las
edades.
Aunque hoy en día las técnicas empleadas son ya muy distintas
a las tradicionales, es un género
que no ha decaído, basta con darse cuenta de todos los selfies que se hacen al
día, alrededor del mundo. Este es dentro
del género del retrato el subgénero del autorretrato, que también ha sido muy
cultivado a lo largo de la historia.
Retrato de hombre al carboncillo
Es importante enfrentarse
a este género en algún momento, es muy instructivo y un gran ejercicio para
mejor la capacidad de observación. Cada detalle cuenta y el lugar en el que se
pone dentro de la obra es fundamental, para
conseguir el objetivo del parecido. Cada sombra, inclinación de una línea,
distancia entre elementos, es básico. Se puede matizar, o incluso exagerar como
en el caso de la caricatura, pero debe figurar. Hay que decidir que es
importante y no puede faltar o que se puede dejar a un lado.
Es un género desde luego muy exigente, pero al mismo apasionante. No dejéis de intentarlo, ya sabéis por el puro placer de disfrutar dibujando
Lo que quiero tener es, ante todo, su sonrisa, y lo que le pido a usted es un retrato de su sonrisa. Frase de “Por el camino de Swann”, Marcel Proust
Copiar a los clásicos es un ejercicio fantástico, muy recomendable para todo el mundo, experimentados o no, grandes y mayores, aficionados y profesionales. Es un ejercicio que se practicaba con asiduidad en las academias de Arte de principios del S.XX. Incluso había copistas oficiales en los grandes museos como puede ser El Museo del Prado.
¿Qué saco de copiar a los clásicos? Pues muy fácil, aprender, y de todo. Se aprende proporción, fluidez en las formas, anatomía, a separar los detalles importantes de los que lo son menos, o directamente sobran. Se aprende expresividad, elegancia, composición, y un sinfín de cosas que me costaría enumerar en este post.
Manos
Cada uno puede tener una preferencia por un determinado pintor, o una época, o un estilo, pero es bueno probarlos todos, comprenderlos y analizarlos. Además de, por supuesto, disfrutar contemplando las obras que copiamos. Debemos ser conscientes que todo lo que hoy es el Arte, con sus aciertos, sus contradicciones, sus errores, está basado y ha evolucionado de esos maestros antiguos. El Renacimiento es fundamental para entender la concepción actual de individuo en el Arte, el Barroco puso las bases de muchas de las técnicas de iluminación que hoy incluso se usan en el cine por ejemplo, esto por nombrar dos de los movimientos más influyentes en la historia del Arte.
Rostro
La forma de dibujar y organizar las figuras deMiguel Ángel está llena de lecciones. La suavidad de las pinturas de Leonardo es un muestrario de matices casi ilimitados. Rembrandt y sus autoretratos son una fuente de inspiración para los amantes del retrato psicológico, en fin que no puedo enumerarlos a todos y sobran eruditos que hayan glosado las bondades de los maestros en sus obras, que me superan de muy largo en esta tarea.
Bueno y me olvidaba de
toda las esculturas de Grecia y Roma, que son una verdadera mina de
lecciones a la hora de estudiar las proporciones del cuerpo humano.
Copiad a los maestros,
sin ningún rubor, ni pudor. Esas obras están ahí para disfrutar de ellas pero
también para aprender de ellas. Así que a invadir museos con cuaderno en mano
para copiar a los maestros.
Después de un tiempo dibujando en cuadernos, nos da la sensación de que ya nada es atractivo, que todo es lo de siempre, sin darnos cuenta ha caído delante de nuestros ojos el velo de la rutina, ese velo hace que todo lo que hay en el mundo sea “lo de siempre”. Parece como si nada nos motivase, aquellos temas que hace apenas unas semanas nos apasionaban ahora simplemente son invisibles a nuestros ojos, eso si directamente no nos desmotivan. Ha llegado la hora de refrescar la visión, es un momento estupendo para cambiar de tema, o de perspectiva, o de técnica.
Manzanas al carboncillo y acuarela
Manzanas
Cambiar, la palabra maldita. En general las personas somos reacias al cambio. Nuestro cerebro está programado para llevar a rajatabla aquello de “si funciona no le toques”. Esto seguramente es maravilloso desde el punto de la supervivencia de la especie. pero en el mundo del Arte es el peor de los consejos; por el contrario siempre hay que probar temas nuevas, o técnicas nuevas, o ambas cosas.
Puede que el tema te apasione pero notes como te falta la inspiración para interpretarlo, entonces cambia de tema. Si la técnica ya está muy dominada, usa otra, si el problema son las dos cosas, pues ya sabes cambia las dos, o combina técnica nueva con tema viejo y vice versa.
Manzanas
En este post podeis ver ejemplos de como un mismo tema se puede interpretar de distinto modo según la técnica empleada, y como las sensaciones que se transmiten cambian según esas variaciones de técnica.
Para un artista es fundamental variar, experimentar, escudriñar, observar, eso no quiere decir que haya que estar a gusto con todos los temas y técnicas, precisamente, por el contrario, experimentar con todo nos ayudará a encontrar nuestro tema fetiche y nuestra técnica reina.
Ramas de plátano. Tinta y pincel
Ramas de plátanos. Tinta y acuarela
Ramas plátano, grafito
En cualquier caso es bueno recordar que todos es susceptible de ser dibujado, y todas las técnicas tienen algo digno de ser probado, así que a ¡Experimentar! Y a divertirse.
Manchas, la otra forma de ver el mundo. Esta
solución es mucho realista, es
cierto, todos sabemos que el mundo no está delimitado por contornos, las fronteras no son más que una invención,
seguramente necesaria, pero invención. Una abstracción,
una herramienta. Por eso se podría decir que ver el mundo como un conjunto de
manchas y representarlo de ese modo es más natural e instintivo que ver “los
bordes” del mismo. Estoy seguro que se podría describir el carácter de los
artistas de cada uno de los grupos. Así de forma instintiva imagino que los
artistas de “líneas” son más ordenados,
más amantes del orden establecido, más cerebrales, mientras que los de las “manchas”
son más caóticos y anárquicos, más
capaces de dejarse llevar y de flotar sobre la realidad.
Silla
Para dibujar con manchas uno de los requisitos imprescindibles es no
estar muy preocupado por el “parecido” con el modelo. Sí con el “aire” del modelo. Las manchas recogen
mejor la atmósfera dejando más a un lado el parecido más “técnico”, aunque por
otra parte son más “mentirosas”, se
conforman con aproximarse, en contrapartida las líneas podrían ser etiquetadas
de más “honestas”.
Al final lo
verdaderamente importante es saber usar en cada caso, el recurso que más
apetece, el que más se adecua al momento, a como te sientes ahora en este
momento. También influye el modelo, aquello que estás a punto de dibujar. Yo
para el paisaje con frecuencia me dejo llevar por las manchas, mientras que
para la arquitectura la línea me llama con más frecuencia.
De todos modos yo soy de líneas, o tal vez me atrevería a decir, lo era. Con la edad la mancha me llama más, tal vez por que con la edad uno va aprendiendo a dejar de ver tantos los límites y a ser más libre. Al fin y al cabo esto es Arte, el territorio de la única libertad verdadera.
No dejeis de probar a dibujar con manchas, es un ejercicio muy frustrante que acaba siendo extremadamente relajante ¿Contradictorio? Que cada uno resuelva el enigma.
La otra forma de ver el
mundo que tienen los artistas es a través de “masas”, es decir volúmenes, zonas, espacios, manchas, que
unas al lado de otros conforman los objetos, el mundo en su totalidad. Es una
forma mucho más pictórica de ver el
mundo, la pintura a diferencia del dibujo más lineal no delimita las zonas
antes de “rellenarlas” de color, cuando se pinta, uno aplica la materia
directamente, la extiende sobre el soporte, la esparce, sin forma. Pues los
artistas que ven el mundo “en manchas” y que en consecuencia dibujan con esa
visión, hacen lo mismo que los pintores, aplican grandes cantidades de material
y luego lo moldean, lo rebajan, lo afinan,
lo domestican, hasta lograr representar el modelo. No delimitan las zonas y luego sombrean.
Es una solución mucho más expresiva, sobre todo si uno no tiene miedo a perder los límites de los objetos, y sabe dominar la inseguridad innata que todos tenemos en mayor o menor medida y que nos hace buscar el control de todo aquello que entra en nuestro mundo. Dibujar con líneas y luego rellenar también es consecuencia, en parte, de lo que hemos aprendido en el colegio, cuando la maestra nos ponía a dibujar y colorear. Eso dibujar primero y luego colorear con las ceras brillantes y chillonas, dibujar y colorear, esa mecánica quedó grabada para siempre en la parte del cerebro encargada de registrar esa proeza. Y todos sabemos lo difícil que es escapar a lo aprendido en la infancia.
Yo he practicado esta técnica en muy pocas ocasiones, por que como no me canso de repetir soy de líneas, pero intento pasarme cada vez más a esta anarquía ordenada. Cuando uno pierde el miedo, y no espera que el dibujo “quede igual” que el modelo, practicar esta técnica puede resultar muy divertido, es una método muy adecuado para dibujar paisajes y naturaleza en general, ideal para practicar en verano…. así que a animarse y a mancharse las manos.
