Hace unos dias escribí una entrada sobre los árboles y claro, donde hay árboles es frecuente que haya un bosque, aunque a veces como se dice “los arboles no dejan ver el bosque”. Es decir que uno está tan cerca que no tiene una visión de conjunto. Este también es un tema interesante para hacer una entrada por cierto.
Yo cuando estoy en un bosque reconozco que siento algo de pánico escénico. Quiero decir que tengo tantos elementos ante mí que no sé muy bien por donde empezar, eso condiciona mi estilo. Si mi mente está en calma mi estilo será mas pausado, con más detalles, mientras que con un estado mas eufórico habrá mucha mas gestualidad. Al final como suelo decir lo importante es transmitir lo que uno siente ante el modelo. En cualquier caso el tema, como todos, puede ser tratado a través de cualquier técnica , es decir con lineas puras, con masas, con óleo, acuarela, grafito o tinta. En esto se parece a cualquier tema que ver con la naturaleza, que son ideales para desarrollar estilos mas libres y afinar la creatividad. Yo recomiendo tratarlo de cuando en cuando para crecer como artistas.
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Yo soy muy de árboles, tanto en el dibujo como en la vida en general. No hace falta que haga un elogio de los árboles, más allá de su valor como ser vivo, son evidentes los valores que aportan al mundo; me limitaré por tanto a escribir sobre su valor como modelo de artistas.
Árbol, grafito
Los árboles como modelos son muy bien mandados, no se mueven, no se quejan, son muy variados, los hay de todas las formas imaginables y de todos los tamaños, también en el campo de los colores son muy variados. Están en todas partes, en el campo por supuesto pero también en la ciudad. Son fáciles de dibujar con cualquier medio, incluso permiten usar técnicas muy diferentes ya que sus formas son indefinidas, lo que permite abordar su retrato desde cualquier ángulo que nos apetezca. Las técnicas más sueltas y que nos permiten trabajar con masas grandes son especialmente adecuadas. Son fáciles de dibujar, además, por que no es necesario ser preciso para que un árbol dibujado parezca un árbol.
Árbol, grafito
Dibujar un árbol es dibujar un trozo de vida, un ser que en realidad solo vive para los demás. Da abrigo a muchos y sombra a todos, por si esto fuera poco nos emociona con su belleza. Todo esto sin pedir nada a cambio.
No os olvideis de dibujar y de ser felices dibujando…… árboles. Comentarios bienvenidos.
El Magosto es una fiesta pagana, de origen Celta, que se celebra en algunas regiones del norte de España (no sé si celebra en algún lugar más del mundo), y que en mi caso al ser un habitante de Galicia“Terra das Meigas” por excelencia, me toca de cerca. Reconozco que no soy muy de ceremoniales ni de ritos, pero es divertido participar en alguno de cuando en cuando, tanto por lo que se aprende como por pasar un momento agradable en compañía del resto de la Humanidad, en el monte, compartiendo castañas asadas y vino del país. Es una fiesta o ceremonia relacionada con el culto a los muertos, o mejor dicho a su memoria, por eso se celebra en esta època del año.
La entrada está ilustrada con un dibujo sencillo mezcla de técnicas, grafito, acuarela, lápiz de color, tinta de pluma estilográfica, todo mezclado sin pensar demasiado. Como esta fiesta también está muy relacionada con el fuego, elemento imprescindible para asar las castañas, quise darle protagonismo, igual que a la Naturaleza, de ahí la elección de colores, naranjas vivos para el fuego y verde para la rotulación. Espero que os guste.
Como solían decir los Celtas cuando las castañas hacian el ruido característica de una pequeña “explosión” al abrirse cuando las asas, “por cada castaña” un alma, por que identificaban ese ruido con la entrada de un difunto en las tierras del Más Allá.
Como digo siempre no os olvidéis de dibujar, y de ser felices dibujando. Aprovecho también la oportunidad para dar las gracias a todos los seguidores del blog, la atención recibida siempre se agradece, igual que los comentarios.
Para rematar la serie sobre entintado que fue motivada por el #Inktober, voy a hablar del entintado con bolígrafo tipo BIC. Es una técnica que en sí no se diferencia de la pluma en cuanto a su funcionamiento, es decir que se utiliza el rayado, cubriendo lo que uno quiere entintar haciendo rayas una al lado de la otra, en distintas direcciónes. No hay misterio. La gran diferencia para mí está en la cantidad de matices que se pueden extraer de la herramienta. Es sensible a la presión, con lo cual se pueden hacer distintos grosores de líneas, aunque la variación sea mínima; pero está ahí y se nota. Esa misma sensibilidad a la presión, hace que se pueda poner más o menos tinta en el papel, lo que permite hacer degradados muy suaves, en eso funciona un poco como el lápiz.
La propia construcción de la punta del bolígrafo es relevante en esas diferencias, al ser una bola que girar recogiendo la tinta del interior del depósito y dejándola sobre el papel, hace que las líneas obtenidas tengan unos bordes mucho menos duros, que las obtenidas por una punta de acero surcando el papel. Los propios bordes de la líneas, si uno pudiese verlas al microscopios se verían más “blandos” ¿A donde me lleva eso? pues a que la sensación visual no es de un contraste muy cortante entre el negro de la línea y el blanco del papel.
En fin que a mi me parece un instrumento que permite muchos más matices, y calidez. Aspecto importante según que tema estemos tratando.
Ya sabeis no os olvideis de dibujar ni de disfrutar dibujando.
El viernes pasado fue la 66 Edición del Drink & Draw de Vigo, en esta ocasión la temática era Batman. Lo primero que me vino a la mente cuando supe que el Hombre Murciélago estaría por la zona, era que seguramente aparecería también el Joker, que estos días está más de moda que nunca. Me pareció buena idea por tanto hacer un retrato del Jóker con mi herramienta favorita de los últimos tiempos, es decir el bolígrafo de 4 colores de BIC.
La herramienta se presta perfectamente dada la combinación de colores del personaje. El rojo y el verde en sus versiones más puras, que por cierto son colores complementarios. La combinación de complementarios no es cosa fácil, pero en la caracterización del nuevo Jóker, el interpretado por Joaquin Phoenix ─ que por cierto está espectacular en este papel ─ los creadores del personaje lograron una integración de los dos colores en toda los rasgos del Jóker.
Me llevó aproximadamente 20 minutos el dibujo completo, a veces es mejor no planificar mucho y dejarse llevar por lo que el momento creativo nos va dictando. Hice un primer dibujo a lápiz con un 4B, y luego pasé ese dibujo a tinta con el bolígrafo, pero sin borrar el lápiz, para que sirviera de base visual al bolígrafo, y el resultado es el que veis en el encabezado.
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Siguiendo con la pequeña serie que inicié con motivo del #Inktober, relativa a los métodos de entintado de dibujo, hoy hablaré del pincel.
Árboles
El entintado con pincel es, igual que la pluma, uno de los más antiguos que se conoce, mucho más áun en el Oriente Lejano, en China y Japón para ser más exactos. Es un método que permite mucha expresividad, y muy poca precisión, así que hay que tener muy en cuenta el tema del dibujo a la hora de usar esta herramienta. Es ideal para temas de naturaleza, o para dibujar modelos con mucho movimiento, como podría ser bailarines, deportistas o animales en movimiento . Este método nos permitirá hacer trazos de distinto grosor, muy flexibles y llenos de curvas ondulantes, de ahí que diga que es una solución muy expresiva para entintar. De hecho es incluso muy recomendable hacer los dibujos directamente con el pincel, aunque se puede hacer un boceto general y suelto con un lápiz y luego entintarlo con un pincel. Obviamente es la solución ideal cuando estamos entintando con otras herramientas y queremos cubrir amplias superficies con zonas de tinta plana.
Retrato a pincel y tinta
Hoy en día existen muchas presentaciones de esta herramienta, la más práctica es la del pincel con depósito de tinta incorporado en el mango, o aquellos que se parecen a una estilográfica y se pueden recargar mediante un cartucho de tinta. También por supuesto se pueden usar los ya super conocidos “Water brushes”, tan queridos por los Urban Sketchers rellenados con tinta pura o diluida. Esta solución es además ideal para usar con tintas de colores, que las hay y muy variadas en gama.
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Hoy voy a hablar de los fondos. Esa parte del dibujo que parece que no tiene importancia, pero que es fundamental para obtener un resultado óptimo, es decir el que siempre buscamos. Reconozco que yo hasta no hace demasiado tiempo no le daba la importancia que tiene al fondo en un dibujo. Siempre pensé que lo importante era, vamos a decir, el motivo del dibujo, es decir aquello que nos sirve de modelo y que nos motivó a dibujar. Por ejemplo, yo hago muchos dibujos de desnudos, y casi nunca me he preocupado del fondo, en el mejor de los casos hacía unas pocas líneas de acompañamiento. Pues hoy, con lo que fuí aprendiendo, considero que es un error. El fondo de una obra refuerza el valor del modelo, de la figura, en general de aquello que está en primer plano. No sé que genio de la antigüedad dijo “puedo pintar el rostro de una doncella con barro si me dejáis elegir el color del fondo”, es decir que puedo hacer que el barro se parezca al cutis de una doncella si lo acompaño del color adecuado, en el fondo.
Cornetin grafito
Los fondos más socorridos, al menos en mi caso son los abstractos, es decir que no representan nada concreto pero que acompañan y enriquecen al modelo. Jugando con luces y sombras, dispuestas adecuadamente para reforzar el primer plano.
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Aprovechando que estamos en el mes del #Inktober (ver enlace para informarse de que es eso del Inktober, aunque dudo que haya nadie del mundillo del dibujo que lo desconozca) voy a hacer algunos posts sobre las distintas herramientas que se pueden utilizar para entintar un dibujo, al menos las más habituales y conocidas.
Voy a empezar por una de las más antiguas y también una de las más tradicionales. Estoy hablando de la pluma, esta puede ser del tipo plumilla de mojar, pluma estilográfica, pluma de caña, de cristal, etc. Las plumas hacen trazos limpios y crudos más o menos finos según el grosor de la misma, pero trazos que son, como a mí me gusta pensar, implacables, es decir que una vez en el papel es casí imposible borrarlos. La consecuencia de esto es que hay que pensar muy bien donde se pone cada línea, más aún si no se ha hecho dibujo previo. A mí personalmente no me gusta mucho el entintado con pluma. Es demasiado radical para mi gusto, no ofrece la posibilidad de matizar nada. El contraste entre la tinta y el papel, cuando se usa pluma, es violento y sin zonas grises, reflejando un poco el material de la plumilla más común que es la metálica. La ventaja que tienen sin embargo es que las más tradicionales, las de mojar, tienen la posibilidad de variar el grosor del trazo según la presión ejercida al trazar.
Hoy en día las plumillas se pueden sustituir por lo rotuladores de punta fina, incluso los hay de distintos grosores de línea, aunque el principio es el mismo.
Lo dicho no os olvidéis de dibujar, y sobre todo de disfrutar dibujando.
Hoy voy a hablar de un extraño fenómeno que se produce en el mundo del dibujo, de la pintura, la ilustración, la poesía. la literatura y en general en cualquier dominio que tenga que ver con los artistas y la creación. Ese extraño fenómeno es lo que yo denomino “la paradoja temporal” ¿En que consiste? Pues se podría resumir con aquél viejo refrán que dice el tiempo todo lo cura.
A todos los que dibujamos o creamos algo en general nos ha pasado, en más de una ocasión, que después de hacer un dibujo nos preguntamos ¿como pude dibujar esto? o bien nos hacemos aquella reflexión que dice “le falta algo”, otra variante es “¡Buf que fallo! ¿como no me dí cuenta de que…..?¿Para que perdería tanto tiempo dibujando una taza y por encima para este resultado? Y una vez que la pregunta y/o exclamación ha sido proferida nos apresuramos a esconder el terrible error anti natura de turno, nos pasamos unas cuantas horas pensando que no valemos para esto, que no sé por que me empeño en, etc. Aunque casi siempre por suerte acabamos reincidiendo y cogiendo de nuevo los bártulos para dibujar. Es decir que la vida sigue, pasa el tiempo.
Un día, reordenando, nos encontramos con aquellas hojas del cuaderno donde se había escondido el monstruo, lo vemos. lo miramos, lo admiramos y pensamos ¡Pues no está tan mal! ¡Que demonios! ¿Como pude ser tan duro conmigo mismo en aquellos días?
La moraleja de este cuento es la siguiente, nunca seas demasiado duro en tu autocrítica, busca siempre algo bueno que sacar de cada dibujo, no juzgues un dibujo en caliente, apártalo y retómalo pasadas unas horas, unos días. o semanas. No esperes que cada dibujo sea “El dibujo”, solo es un peldaño más en tu recorrido, algunos peldaños salen mejor otros peor, nada más. Casi siempre esperamos que cada dibujo tenga algo especial, y si no lo tiene, o no lo sentimos como tal lo arrinconamos, en cambio si se le hubiera dado una segunda oportunidad (pronto hablaré sobre retrabajar un dibujo), cambiando un fondo, o añadiendo algún elemento habría cobrado esa vida que se supone que debe de tener. Recordad además que los que ven nuestros dibujos, no saben de aquél fallo que nosotros vemos como la nariz en la cara, no son conscientes del error en la perspectiva, o que ese estilo que hemos probado en este dibujo a ellos les encanta, etc
Creo que ha quedado claro lo que quería decir así que no me extiendo más. Dibujar es ante todo disfrutar, no hay que olvidarlo. No os olvideis de dejar comentarios, siempre bienvenidos, y de dejar vuestro correo para estar al día de los nuevos post.
Algunos ejemplos de dibujos a los que el tiempo, médico y abogado universal, fue redimiendo (y podría poner muchos más)
Repasando y ordenando los cuadernos caí sobre este dibujo. Me acuerdo de la situación, era en una cafetería y yo estaba dibujando mi taza, como tantas otras veces. Cerca de mi mesa había una chica y un chico, y la actitud del uno y del otro me hizo pensar que la relación, del tipo que fuera, no pasaba por su mejor momento. Así que para completar mi dibujo decidí recrear la conversación, aunque ellos estaban en silencio, dibujando los bocadillos alrededor de la taza.
Ideas como esta son una buena forma de entrenar la creatividad, interpretar nuestro entorno, darle un sentido al dibujo que hacemos, debería de ser una parte importante del para que dibujamos. No somos simples reporteros que hacen una crónica en forma de dibujo, cuando vamos de Urban Sketchers, quiero decir. Somos personas que sienten algo en relación a lo que ven, cada uno tenemos nuestro estilo, nuestra forma de traducir en imágenes lo que vemos. Pues eso tiene que estar en el dibujo, tiene que estar el momento, el lugar, la luz, los colores, los sonidos, todo cuanto nos toca, y podemos dejar fuera, sin remordimientos todo aquello, que en ese instante, no hace vibrar ninguna cuerda en nuestro interior.
Dibujar es expresarse a sí mismo, no hay que olvidarlo. No os olvideis vosotros de dibujar, y de disfrutar.
